“Siempre llega el momento en el que tienes que mostrarte. Siempre llega, cariño, siempre.

Siempre, siempre, siempre…”

A-NORMAL Y LA OVEJA ERRANTE

Ángela Verdugo y Xavier Puchades

“Hace falta soltar. Hace falta respirar. Hace falta dejar espacio para que entre el aire.

¡Que corra el aire!

¡Que corra el aire!

¡Que corra el aire!”

SC_ SANTA CULTURA

Ángela Verdugo y Xavier Puchades

VAMOS A ESTAR A RATOS

Antes de iniciar el proceso de creación y composición de la tercera pieza de la trilogía, pensamos en la alianza con el otro, la alteridad, como vía de dilatación compartida del momento. “El otro” como posible entrada al paraíso perdido del no tiempo.

Había una necesidad de dedicarse exclusivamente a revisar el camino recorrido hasta ahora y la residencia que disfrutamos en el espacio de creación La Granja (IVC) nos sirvió para ello, utilizando ese tiempo de calidad para la reflexión y el desarrollo de hipótesis en una continuidad compartida. Esta convocatoria nos posibilitó reflexionar, revisar, compartir y continuar el trabajo ya iniciado.

Las formas de los procesos de creación, sobre todo cuando se conjugan otras disciplinas y nuevos lenguajes, se apoyan mucho en lo intuitivo. Entendemos que este tiempo nos sirvió para conseguir ir más allá y no estancarnos en la fórmula encontrada. Nos ha permitido vivir la sensación de pérdida de control natural de los flujos creativos sin la ansiedad asociada al resultado inmediato; nos ha permitido analizar y reflexionar desde la calma y la profundidad.

Somos perfectamente conscientes de que la tercera parte de una trilogía es la que da cuerpo a la totalidad, y que el camino creativo desarrollado en las dos piezas anteriores marca un camino del que hay que distanciarse o salirse para poder ver con claridad. Esta residencia nos ha servido de paréntesis para elevarnos, visualizar, compartir y contrastar maneras de hacer y de pensar con otras creadoras afines, pero con líneas estéticas y éticas muy definidas, y por tanto individuales.

La metodología del trabajo realizado se fundamentó en la propia idiosincrasia del proyecto al que se pretende llegar, la tercera pieza. La base conceptual de la cual está centrada en la búsqueda de un espacio inclusivo, amable y facilitador de una vida digna, marcando así el cómo estructurar las sesiones de trabajo desde un prisma horizontal, no jerárquico, donde desdibujar los roles. De manera que todos podíamos entrar a proponer o accionar en cualquiera de las capas que solemos trabajar: acción, movimiento, vídeo, texto, sonido, música, iluminación. La propia propuesta marcaba una línea donde todos los participantes eran corresponsables de lo que aconteciera.

La composición del equipo, y sus trayectorias profesionales y personales, son las claves de este proyecto, ya que todos (Sandra Gómez, Cora Mateu, Carlos Molina, Joan Martínez, Rocío Pérez y Xavier Puchades) tuvieron como premisa de arranque el desdibujamiento del rol estanco y el estímulo por generar materiales en base a los conceptos que íbamos introduciendo desde los diferentes lenguajes con los que solemos trabajar. La pretensión fue que todo el equipo sin distinción generara texto, vídeo, imagen, audio y acción/cuerpo. Nuestra idea, frustrada por la pandemia y sus restricciones, era compartir este accionar de todos en todos los frentes disciplinares. Esta manera de hacer, que pretendíamos mostrar en la pasada edición del festival Dansa València y que no fue posible, se sustituyó por un muestreo en directo sólo con parte del equipo. El resto estaba presente a través de sus materiales, pero no dentro del juego de la acción, al menos de manera directa.

El porqué de esta manera de trabajar reside en la necesidad de descubrir nuevas metodologías, más allá de las inercias personales de cara a la apertura de posibles en la futura composición de la tercera pieza.

Esta manera está basada en la firme convicción de que para crear libremente hace falta deshacerse de las restricciones formales propias de cada disciplina. Permitir lo entendido disciplinariamente como error o como una nueva forma. Descubrir la frescura de lo inaudito. La belleza de lo que fluye desde un cuerpo-mente culto, humilde y sencillo, preparado sensiblemente para la creación, en cualquiera de sus formas.

Buscábamos esa verdad en escena, más propia de lo performativo que de lo escénico. Buscábamos la cualidad de la realidad a través del uso de lo biográfico y la visión personal, tanto estética como ética, de cada uno de los marcadores de acción.

Partimos de dos cuestiones:

¿Podemos diluir todos estos conceptos que definen una obra y mantener su unicidad como tal?

¿Podemos dejar de ser personas, profesionales de algo y ser personas con un saber que se comparte para crear un procomún?

Los ejes temáticos, a su vez, venían marcados por el análisis previo de las dos primeras piezas de la trilogía llevada a cabo en años anteriores: A_NORMAL o la oveja errante y SC_Santa Cultura.

Todos  los miembros del equipo nos pensamos en este sentido, desde la sapiencia de esa inquietud transdisciplinar que entendemos necesaria, desde esa competencia intelectual y práctica que permite compartir y construir (humildemente y en conjunto) nuevas maneras, sorprendiéndonos y cuidándonos en todo momento mientras poníamos las bases de lo que sería ese nuevo espacio intersticial.

En este proceso compartimos nuestras bases bibliográficas, sensibles, estéticas y formales, construyendo un espacio de libertad y cuidado maravilloso donde cada uno aportó su saber hacer, ofreciéndolo al resto con amabilidad y respeto en torno a los conceptos premarcados.

Todo un placer para los sentidos que ha supuesto un gran avance sobre cómo abordaremos la creación y composición de la pieza que cerrará la trilogía. No obstante, debido a la suspensión temporal del proceso de creación por causa de la pandemia y las dificultades adicionales en la fase final del diseño de la muestra, ahora necesitamos tiempo para deglutir todo lo acaecido y retomar nuestro material con una visión reenfocada, observando atentamente la evolución de este momento histórico que nos atraviesa.

Hace años, concurría (como la mayoría de mis compañeros de profesión) a las ayudas públicas a producción cultural, y la crisis del 2008 y el hartazgo del ritmo de fábrica de salchichas, a producción por año, me escupió de la rueda y me caí del sistema.

Estuve un largo periodo fuera de radar, refugiada en prácticas menos expuestas como la docencia, y me sobrevino la maternidad, porque no fue algo buscado.

Tres años después de esto, huyendo de una vida sin sentido, volví a las andadas, pero algo en mí había cambiado. No quería entrar de nuevo en la rueda, sólo trabajar lo más dignamente posible. Mi objetivo primordial no era el desarrollo profesional, era la necesidad de comunicarme desde la escena. Quizá, porque desde pequeña he estado en ella y siempre la he entendido como un espacio protegido, aunque, curiosamente, es el lugar donde más nos exponemos. Estando en escena, la gente te escucha con una actitud más amable, o al menos respetuosa, porque —supongo— sobreentienden que lo que dices desde ahí lo has pensado mucho previamente y, detrás, hay una intención y una necesidad por tu parte.

En este retorno al rebaño, reviví una y otra vez la frustración de los mecanismos de financiación pública, que no financian a los artistas, sino a la maquinaria empresarial del arte. Los artistas se autofinancian a base de auto explotación.

Pero ¿Cómo funcionar en los márgenes de ese mecanismo? ¿Cómo luchar por unas condiciones dignas de trabajo sin pervertir lo esencial? ¿Cómo mimarnos, cuidarnos y crecer juntos mientras creamos? En peores o mejores condiciones, siempre desde una posición de amor incondicional al trabajo entorno a la escena y la creación.